08 diciembre 2017

Easy Jazz APK

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17 noviembre 2017

Entrevista a Joel Martínez

Entrevista a Joel Martínez:

Freelance, Trombonista en CCL, solista del ensemble de la Simón Bolívar.


"Recientemente he tenido el placer de conocer a Joel personalmente. Excelente músico, y excepcional persona y a los pocos minutos de conversación supe que Joel debía ser entrevistado para RET, entrevista para la cual se ofreció encantado.
MÚSICO, con todas las letras y en mayúsculas es la manera adecuada de referirnos a Joel que se ha prestado a ofrecernos sus experiencias en las siguientes líneas:"


¿Cuándo comenzaste tu andadura con el trombón?
¿Qué profesores han sido fundamentales en tu recorrido trombonístico?

 Primero que nada gracias por interesarte en saber sobre mi carrera y mis opiniones Rafa, por tus buenos comentarios y la buena onda en persona, también gracias a quienes leen este articulo ahora.

 Comencé a estudiar música digamos que por carambola porque mi pasión hasta los trece años era el baseball, hay músicos en la familia de mi madre en los andes venezolanos - estado Trujillo- así que era natural oir serenatas y tertulias musicales en las vacaciones y mi padre además era un melómano que oía desde Ismael Rivera y Rubén Blades hasta música clásica, (por cierto Serrat forma parte de mi historia porque era de sus favoritos). Así que en casa o en los viajes siempre hubo muchísima buena música; a los trece años me enamoré de la música y me olvidé del baseball ¡jajaja!.
 
 Mi padre compró una guitarra para estudiar juntos y comencé a pasar mucho tiempo tocando, pocos meses después participé en mis primeros recitales tocando piezas de Antonio Lauro, Rodrigo Riera y otros grandes compositores venezolanos. Cada vez que iba a la escuela de música veía llegar a los muchachos de la orquesta porque allí funcionaba un núcleo de “El Sistema” del maestro José Antonio Abreu y algunas veces escuchaba los ensayos, como cosas del destino además unos compañeros de la secundaria eran miembros de dicha orquesta así que fue bastante natural conocer gente bastante rápido e integrarme. Audicioné y me asignaron un cello por que sabían que tocaba la guitarra pero yo estaba muy interesado en el saxofón, era el ícono del programa de jazz de los domingos y de muchos de los discos de mi padre así que tenía ese sonido en mi cabeza, en la escuela no tenían saxo y lo más cercano era el trombón así que no tardé en cambiarme y allí comenzó todo mi viaje.

 Los compañeros que ya tocaban en la escuela y sabían bastantes cosas sobre el instrumento me enseñaban en especial Carlos Eloy Alfonzo quien ha formado muchos jóvenes allá en Guarenas, a media hora de nuestra capital Caracas. Tuve clases también con los maestros Edgar Escalona y Carmelo Medina y en unos pocos meses me fui a estudiar con el maestro Duvardo Echarry -trombón bajo de la Sinfónica Simón Bolívar- un excelente músico y una persona clave en mi vida, quien me enseñó las cosas más vitales sobre el trombón y además me enseñó la importancia de ser mejor persona, no solo con palabras sino con su ejemplo. Otro profesor clave para mi fue Domingo Pagliuca quien me dió clases en la universidad, también tuve la dicha de poder tomar masterclass y talleres especiales con muchos maestros a los que recuerdo con cariño como Antoine Duhamel, Luis Collyns, Sean Flanigan, Bruno Flahou, Inda Bonet, Jacques Mauger, Scott Hartman, Ben Van Dijk, Stefan Schulz, Olaff Ott, Jay Friedman, Jaime Morales, Carlos Isturiz, Jairo Hernández, Pedro Carrero, Miguel Sánchez, etc.


Recientemente grabaste un CD donde participas como solista tocando Piano, Trompeta Baja y por supuesto el Trombón llamado “Mirando de lejos”, ¿qué puedes contarnos sobre él, por qué está titulado así, qué supone para tí la producción de este CD?

 El disco surge como una necesidad de documentar la música que estaba componiendo y practicando desde hace años, de hecho la primera pieza que hice cuando tenía cerca de 15 o 16 años se llama “Mirando de Lejos” y le da el título al álbum por que además es para mi una filosofía de vida: la vigilia constante, ver siempre las situaciones y asuntos desde lejos y verme a mi mismo también así, además me gustan mucho los miradores, allí siento mucha paz, en especial el de Valle Arriba en Caracas donde voy desde que era niño y con amor observo mi ciudad y su belleza.

Además de mi música grabé “Bebê” un tema que me encanta de Hermeto Pascoal, un genio del Brasil, “Jinrikisha” de Joe Henderson, saxofonista estadounidense que es uno de mis compositores y músicos favoritos, “Cota 880” de Gerardo Lugo pianista colombiano radicado en Venezuela desde hace muchos años, gran músico y gran amigo.


 En lo que se refiere a los instrumentos grabé cuatro temas con mi viejo King modelo Jiggs Whigham, dos con mi amada trompeta baja Getzen, dos con el Piano y un par de solos con la melódica, todo tiene un propósito netamente musical: el trombón es mi instrumento por excelencia, es muy noble y tiene cualidades únicas, la trompeta baja por ejemplo me permite inflexiones, colores y fraseos diferentes, el piano también además de ser mi herramienta preferida para la composición. Fué un gran reto y un disfrute enorme verlo realizado, suena en tu cabeza, lo imaginas, lo practicas pero cuando juntas los elementos y escuchas el resultado es una gran felicidad, es tuyo.

 El disco fue una aventura y un gran aprendizaje porque comencé con mis ideas musicales y mis ganas de tocar y terminé haciendo de todo para hacerlo posible, desde hacer una gran logística de convocatoria para lograr las pautas de grabación hasta conseguir presupuestos, vigilar la post-producción, diseños, derechos legales, etc. En fin hay mil cosas que no son “La Música” para lograr un álbum y eso sólo se aprende en el camino pero gracias a ese proceso me adentré mucho con la producción musical y me enseñó a valorar más todo lo que está detrás del resultado, a tener más paciencia con las fases y pasos, a ser más organizado para el trabajo, etc.Pude contar con un equipo fabuloso de músicos y eso no tiene precio, todos grandes amigos y casi familia, más allá de su talento ellos pusieron amor allí y eso lo agradeceré por siempre al igual que el apoyo de mi familia -en especial mi madre por sostenerme siempre con su amor y mis dos pequeños bebés Mirela y Daniel por traer tanta luz a mi vida-.

 Has formado parte de una de las orquestas sinfónicas con más renombre a nivel mundial, hablamos por supuesto de la Simón Bolívar. ¿Qué nos puedes contar sobre tu paso por dicha orquesta? ¿Qué significa para tí la orquesta venezolana?

 La oportunidad de haber formado parte de esa generación de músicos formados en “El Sistema” y especialmente con cercanía al maestro José Antonio Abreu no tiene precio, toda la experiencia y aprendizaje obtenido allí son pilares para la formación de una disciplina musical que se queda para siempre en el subconsciente y que nos susurra siempre al oído “Tocar y Luchar”. El sistema fue un milagro y el maestro José Antonio un ángel, su aporte a nuestro país y al mundo es invaluable, por siempre GRACIAS MAESTRO.

 En el año 2003 hicieron una selección a nivel nacional para el Ensamble de Metales de Venezuela y allí estaba yo -gracias a Dios-. Ese mismo año hicieron las audiciones para la orquesta y por fortuna entré también; fue una gran oportunidad para mi -tanto profesional como personal- porque la orquesta estaba en pleno crecimiento y desarrollo, era un proyecto fabuloso y teníamos maestros nacionales e internacionales de alto nivel así que o subías de nivel o subías, no había alternativa ni tiempo de dudar. Además era divertido porque éramos todos muy jóvenes y muchos veníamos de ser compañeros en la Orquesta Juvenil de Caracas, en orquestas regionales o en la Orquesta Nacional Infantil, de modo que la pasábamos bien mientras aprendíamos y afrontábamos retos cada vez mayores. 

 En el 2004 Gustavo Dudamel -nuestro director- ganó el concurso de Dirección Gustav Mahler en Alemania y allí comenzó otra etapa. Luego en 2005 le dieron el anillo de Beethoven y fuimos a tocar en el Philarmonie de Berlín y muchas otras ciudades de Alemania, incluyendo Bonn (la ciudad natal de Beethoven). Después de eso la orquesta no se detuvo y fuimos a muchos países, tocamos en los teatros y festivales más importantes de la música clásica en el mundo, cuando lo pienso ahora es increíble, fuimos a Asia, Países Nórdicos, Rusia... ¡lugares increíbles!. Además de la orquesta tocábamos con el Ensamble de Metales dirigido por el maestro Thomas Clamor de quien aprendimos muchísimo también, allí yo era solista con el euphonium o bombardino y me llenaba de emoción cuando venían los retos porque tuve la oportunidad de tocar solos muy importantes en salas increíbles y festivales de metales de nivel: son experiencias que te crean una condición y un temple diferente para afrontar una situación, aprendes “aprendiendo”. Nunca olvidaré ese concierto de West Side Story en el Carnegie Hall o La Consagración de la Primavera en el Acrópolis de Atenas, La Fanfarria de Giancarlo Castro que tocamos en el Festival de Manchester o haber ido a Bergen, Noruega...en fin al recordar me salta el corazón y me invaden las ganas de llorar de emoción por que viniendo de una familia humilde esto fue mucho más que una bendición, doy gracias cada día a mi Dios por haberme permitido vivir lo que viví, por ser venezolano y nacer en el tiempo en que nací, por la música y el trombón.

 Sabemos que además de la música clásica, también tienes experiencia con la música moderna como el ska, la salsa o el jazz. ¿Cómo llegaste a estos géneros musicales? ¿Qué consejo darías a aquellos que quieren comenzar a estudiar estos tipos de géneros musicales?

 Llegué a la música popular de manera natural porque un vecino me invitó a los ensayos de su grupo de salsa y desde que toqué en ese grupo no paré; yo era casi siempre el menor y eso era genial porque aprendía mucho de todos ellos, gente con mucha experiencia no sólo musical sino de vida. Un amigo contrabajista de la orquesta tenía un grupo de ska al que me invitó y se me abrieron muchas puertas, tuve siempre una debilidad por los sonidos del jazz así que escuchaba muchísimo. Luego conocí a mi gran amigo Gerald “Chipi” Chacón quien me mostró al pianista Bill Evans y allí mi cabeza estalló, fue un antes y después. Bill se ha convertido en un compañero de vida desde entonces y una de mis mayores influencias; comencé a tocar en el grupo de Gerardo Chacón (padre de Chipi) junto a grandes músicos y participamos en festivales muy importantes de Venezuela. Tuve experiencias de las que aprendí mucho en esos primeros años y así se presentaron las oportunidades de formar parte de muchas de las mejores agrupaciones de música popular de mi país en paralelo a mis estudios académicos y orquestales, grabaciones, etc; doy gracias a Dios por ello.

 Mi consejo tanto para los jóvenes que comienzan a estudiar el trombón como para los avanzados y profesionales que tienen el interés en tocar otros géneros es que tomen siempre cualquier trabajo con el mismo respeto y amor, que estén siempre abiertos al aprendizaje y a escuchar a los que tienen más experiencia, que actúen con honestidad y sean genuinos porque la música no puede mentir. Más allá de la práctica y el estudio es vital tener un constante interés por el autoconocimiento y la superación, no solamente profesional sino personal y espiritual. Con el tiempo aprendemos que en las cosas pequeñas nos hacemos fuertes para lograr las grandes, partiendo de esa idea cada sesión de estudio o ensayo por pequeño que sea y en cualquier lugar es una nueva y gran oportunidad para crecer y aprender.

 "Otros pequeños consejos básicos pero realmente importantes"

 Dormir (no existe crema que regenere mejor los labios y los músculos), comer bien y lo más sano posible, hacer ejercicio (no necesariamente ser un experto levantador de pesas) pero sí mantener una condición física apropiada porque nuestro trabajo requiere de un esfuerzo físico importante...meditar, llenarnos de paciencia y amar todo cuanto nos suceda, reconocer que los tiempos difíciles también provienen de Dios, escuchar muchísima música siempre, dar siempre todo lo queramos recibir, leer (los libros son maestros que tenemos con nosotros), amar con todo el corazón y vivir un dia a la vez, perdón si parece una charla motivacional ¡jajaja! pero la verdad que se trata de la vida, tocar y hacer música es una actividad realmente humana, no sólo técnica, así que si queremos tocar mejor debemos aprender a vivir mejor.

 En este punto de tu vida musical, ¿qué proyectos futuros recorren tu mente? Por último, ¿qué opinas del proyecto RET?

 Profesionalmente tengo claro que quiero grabar muchos discos más, es algo que me emociona inmensamente, ya tengo mucha música para lo que será el segundo álbum, debo hacer el filtro para darle forma y comenzar con la preproducción. Gracias a todo lo aprendido en “Mirando de Lejos” tengo mucha más paciencia y claridad para ver lo que quiero y de qué manera recrear lo que imagino, este segundo disco será de música propia donde pienso auto dibujarme mediante sonidos: a medida que nos volvemos más analíticos e introspectivos vemos mejor lo que somos y nos sinceramos acerca de nuestra búsqueda, dirección y discurso. En paralelo a esto está el proyecto de grabar un disco de standards de jazz donde tocaré trombón, trompeta baja y quizás incluya algo con el euphonium, algo que es un gran reto. Tengo un repertorio de temas que me gustan muchísimo y suelo tocar en formato de cuarteto en los conciertos en vivo, es una selección que he ido haciendo de música que además de ser muy bonita presenta un compromiso técnico importante, es muy emocionante y debo prepararme fuertemente para ello.

 El proyecto RET es ¡algo maravilloso tío!. He leído muchos de los artículos, la revista me parece muy completa ya que abarca desde comentarios y análisis sobre aspectos técnicos del trombón hasta información de concursos, etc. Ni hablar de las entrevistas, es muy interesante poder leer las experiencias, vivencias y opiniones de tantos grandes trombonistas, es como si estuvieras tomando un café con ellos y escuchando sus anécdotas, cosa que es genial porque cae de maravilla conocer el viaje que ha realizado una persona para lograr las cosas, se agradece mucho que exista un espacio como este donde todos podemos aprender y conocer otros puntos de vista, eso es invaluable. Es un gran honor para mi esta entrevista y estoy muy agradecido por la invitación, larga vida a la revista y ¡que Dios bendiga la música y el trombón!.


20 junio 2017

No más entradas hasta nuevo aviso

Nos vemos en la obligación de informar que RET no publicará más entradas hasta nuevo aviso.

Rogamos disculpen las molestias.

Posdata: los post publicados seguirán estando disponibles para todos los usuarios.

06 enero 2017

BART CLAESSENS EN ESPAÑA


BART CLAESSENS EN ESPAÑA


Aprovecha la oportunidad única de dar clase con el Trombón solista de la Royal Concertgebouw Orchestra. Los días 3, 4 y 5 de febrero en Zamora.
Participa como alumno activo u oyente; las plazas de alumnos activos son limitadas, ¡date prisa en reservar tu plaza!

Más información:
David Alejandre Díez
davidalejandrediez@gmail.com
615 42 23 24

05 enero 2017

¿Qué escuchas en tu Ipod?

Hace un tiempo leí en la "ITA magazine" un artículo que me hizo reflexionar. 

What's in your iPod? - Bruce Gunia (January 2010/ Vol. 38, Nº1)

Las respuestas como eran de esperar al tratarse de una revista estadounidense fueron en su mayoría músicos de EEUU.
La pregunta se formuló de la siguiente forma: selecciona 5 músicos de Jazz y 5 músicos clásicos imprescindibles en tu iPod.

Pues bien, en 7 años han salido a la venta muchos discos nuevos y trombonistas de talla mundial que seguro cambiarán los resultados de la encuesta de la ITA.

Nos gustaría saber los músicos de Jazz y Clásicos que no pueden faltar en tu lista de Spotify, reproductor mp3, móvil, youtube...

Deja tu opinión abajo en los comentarios. (No hace falta registro y puede ser anónimo)
Solo te llevará 1 minuto.



04 enero 2017

Análisis formal Concertino de F. David


La forma Sonata 

Se caracteriza por un contenido amplía y discurso narrativo que se manifiesta por exponer una serie de temas de diferente carácter de determinado orden, normalmente empezando con un tema enérgico llamado tema principal frente el cual se presenta un tema secundario de carácter más tranquilo, cantabile y que va seguido por un tema final virtuoso. Pueden aparecer más de estos tres temas como entre el tema principal y secundario un tema de transición de carácter movido para realizar la modulación a la tonalidad de la dominante en la que se encuentra el tema secundario y el resto de temas. (Todo ello se reexpondrá en la tonalidad original.) En la parte final de la exposición pueden aparecer más temas finales de carácter virtuoso y conclusivo. El carácter de los temas va unido a ciertos tipos de frase.

Por otro lado, a partir del estilo clásico, el contenido de la forma sonata distingue materiales temáticos y virtuosos. Independientemente del carácter de cada tema, éste se completa con un material virtuosos por lo que las secciones no se limitan a la frase del tema, sino puede contener varias frases contrastando el tema con el material virtuoso. Este último a menudo se parece a una coda de la frase a la que sigue. Para ampliar las tensiones, a la exposición se le sigue una sección de desarrollo de duración y contenido indeterminado, pues puede ser más corta o más larga según el plan del compositor. El desarrollo puede utilizar cualquier de los temas incluso puede introducir nuevo temas. Los temas presentados sufren unas transformaciones melódicas y tonales durante el desarrollo. 

La forma sonata en los géneros mayores 

La forma sonata se caracteriza por su dinamismo por lo que se la utiliza en el primer movimiento de los géneros de solista como la sonata y el concierto. Su popularidad es tan grande que influye a las demás formas y llega a sustituirlas en el resto de los movimientos. Por otro lado, la forma sonata utilizan un grupo de obras que pertenecen al género de solo de concierto (obra de concierto, concertino). Por ser estas de un solo movimiento, a menudo el desarrollo corresponde a aquel que sería el segundo movimiento lento de los géneros de tres movimientos mientras que la reexposición corresponde al tercer movimiento rápido. Esta forma encontramos en la siguiente obra.


08 julio 2016

Concierto para Trombón Bajo de Robert Spillman (Análisis)

Introduccion: 
El Concierto para Trombon Bajo de Robert Spillman es una de las piezas standards más requeridas en concursos internacionales, audiciones para universidades, orquestas profesionales y recitales alrededor del mundo. A la hora de enfrentar la preparación para la ejecución de esta pieza, el trombonista, en muchos casos se encuentra con que no hay la suficiente información teórica para respaldar el aprendizaje práctico de la misma. Es por esto que la idea principal del siguiente trabajo de investigación es la de servir como punto de partida y material de apoyo para el trombonista interesado en abordar esta pieza como parte de su repertorio.

Aspectos Históricos

Biografia del Compositor:
Robert Spillman, (1936-), es profesor emérito de la Universidad de Colorado en Boulder donde fue director de la facultad de piano y director musical del Programa de Opera . Estudió en el Eastman School of Music , recibiendo una licenciatura en música, un Certificado de Ejecucion en el Piano, y una Maestría en Artes de la Teoría Musical. Spillman estudió composición con el maestro Luis Mennini, mientras que al mismo tiempo servía como pianista para la Rochester Philharmonic Orchestra, donde compartió ampliamente con los instrumentistas de ésta . El Profesor Spillman pasó numerosos veranos como estudiante , acompañante y entrenador, en el Chautauqua Institute. Tambien fue durante muchos años el Subdirector del Centro de Ópera en el Festival de Música de Aspen. Entre sus participaciones para el Festival de Aspen se incluyen: clases de piano, ópera y lenguas; realizando con frecuencia conciertos de cámara y presentaciones de ópera. El Sr. Spillman tiene varias composiciones publicadas a través de Edición Musicus. 
Su libro “El arte del acompañamiento” fue publicado por Schirmer Books en 1985, “Lectura a primera vista para teclado” se publicó en 1990, y” La Poesía en la canción”,que fue publicada por Oxford University Press en 1995. El professor Spillman se ha mantenido muy activo en los EE.UU. como acompañante de artistas, como la mezzo-soprano Jan DeGaetani; el violonchelista Yehuda Hanani, así como muchos otros. También Spillman ha actuado como solista para numerosas orquestas. En 1957, el Sr. Spillman escribió “Dos Canciones” para el Profesor Roger Bobo, quien fuera en el pasado, el famoso tubista de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles
y la Escuela de Música Eastman . Mas tarde, Spillman decide escribir el Concierto para Trombón Bajo (Bobo CD 125). Este Concierto para Trombón Bajo fue escrito para la Ed. Anderson en 1959, cuando tanto el señor Spillman como el Sr. Anderson cursaban su último año como estudiantes en la Escuela de Música Eastman. Más tarde, después de graduarse, el Sr. Anderson toma la posición de trombón bajo para la Orquesta de Cleveland. En febrero de 1960, el estudiante David Richey, antes de convertirse en el trombón bajo de la Orquesta Filarmónica de Buffalo, ganó el concurso concierto en la Escuela de Música Eastman y realizó la versión del “Concierto” para orquesta por primera vez con la Orquesta Eastman-Rochester. Esta presentación estuvo dirigida por el compositor y educador Howard Hanson, quien fuera el director de la Escuela Eastman de Música , por espacio de cuarenta años (Lenti 1-3).

El Concierto para Trombon Bajo:

En 1915, Carl Greenleaf compró la Compania C.G. Conn a su fundador, Gerard Charles Conn, un soldado de la Guerra Civil y ejecutante de la corneta. En 1875 se convierte en el mayor productor de trombones en los Estados Unidos ganando una sólida reputación como " la casa del trombón en los Estados Unidos." Greenleaf pronto comenzó una investigación agresiva y un programa de desarrollo, que dio lugar a una gran cantidad de nuevos trombones y otros instrumentos. Entre estos instrumentos fue la 8H, una pulgada calibre .547 trombón sinfónico recto disponible con un innovador accesorio opcional válvula F. En la década de 1940, en respuesta al papel más exigente de metales bajo en la actual literatura sinfónica, CG Conn Ltd. comenzó a refinar el 8H. Con la ayuda del Dr. Emory Remington, legendario trombonista y profesor del Eastman School of Music, Conn perfeccionó este diseño y en 1954 introdujo el Modelo 88H. Este instrumento incorpora características tales como: 8 ½ pulgadas de una delgada lamina de metal rosa en la campana; varas exteriores de metal rosa y la boquilla, el cono y el receptor de Remington . El 88H ganó rápidamente popularidad como un trombón tenor sinfónico, enriqueciendo heróicamente a la sección baja de los metales. El Concierto para Trombón Bajo está enfocado sobre los centros tonales de Fa, Mi y Do, con el fin de presentar las mejoras innovadoras en la creación del Conn 88h hasta ese momento. El Concierto para Trombón Bajo de Robert Spillman, destacó el sonido innovador del 88 de Conn.

Aspectos Teóricos

EL Concierto para Trombón Bajo de Robert Spillman, está escrito en tres movimientos, Allegro-Andante, Vivace, y Andante Moderato. 
En el primer movimiento, la forma de la pieza se presenta combinando una idea melódica rápida dividida en dos temas melódicos, que termina con un fragmento anticipado del tema principal del tercer movimiento. 
El segundo movimiento desarrolla un tema rápido jugado en un tempo de vals agitado, combinado con un tema secundario sincopado.

Por último, el tercer movimiento es un movimiento lento y relajado. Recapitula y desarrolla el tema de cierre que se presentó al final del primer movimiento. 
Aunque la pieza es una obra tonal que se centra en los centros tonales de F, E y C, en muchos aspectos, la pieza no está escrita en forma sonata tradicional. El primer movimiento, Allegro-Andante, combina dos temas. El tema principal es presentado por el solista y pianista a principios de la pieza. Se utilizan figuras rápidas que dan una sensación de energía. Este primer tema se gira en torno a la tonalidad de Fa menor. 

En contraste con el tema principal, el tema secundario es una idea lírica melódica que no pierde su dinámica de movimiento, hacia delante a pesar de que está escrito con valores de notas más largas. El puente, interpretado por el piano, entre el tema primario y secundario, se mantiene dentro de la tonalidad de Fa menor hasta la ir repentina irrupción, en una dinámica más suave, del tema secundario en el compás 21 en la modalidad de Fa sostenido frigio.

Después del desarrollo del tema secundario, el piano comienza una transición que progresivamente modula de vuelta a la tonalidad de Fa menor en el compas 50. En este punto, el trombón toca un solo durante ocho compases, que conduce a los dos últimos compases de esta transición, estableciendo la tonalidad de Fa Mayor de nuevo en la recapitulación del tema principal. Finalmente, después de esta transición, los temas primarios y secundarios se vuelven a desarrollar incluyendo un recitativo adicional al final del tema secundario. Este recitativo desarrolla un tema adicional al final del primer movimiento en la tonalidad de Do menor que sirve como una anticipación de lo que va a ser el tema principal del último movimiento. 
En conclusión, este primer movimiento está escrito en una forma ABABC.

El segundo movimiento, Vivace, es el movimiento más rapido de la pieza. Al igual que el resto de la pieza, está escrito en un estilo tonal y la tonalidad predominante de este segundo movimiento es Mi menor. Comienza con una introducción misteriosa y muy larga, con una duración de 31 compases, conduciendo al tema principal del movimiento en el compass 32. El tema principal es una línea melódica escrita en un ritmo rápido de 3/4 que se va a jugar como un agitado tiempo de vals que combina negras acentuadas continuas y terminando con largas blancas con puntillos, variando en ocaciones con frases rapidas de negras y corcheas .Esto se desarrolla del compas 32 al compas 79.

Después de que el pianista ha tocado la transición, el tema secundario comienza en el compás 97 y se desarrolla hasta el compás 161. El tema secundario permanece en la tonalidad de Mi menor, pero el sentido de ritmo cambia con una nueva idea melódica sincopada. Este tema se aprovecha del movimiento sincopado producido por las negras con puntillo dentro de los compases de 3/4 y las negras con puntillo ligadas al comienzo de algunas de las frases.
Después del largo desarrollo del tema secundario, existe una re-transición que utiliza una variación de la introducción original. Esta transición provoca la recapitulación del tema principal sin recapitular el tema secundario, dando a este segundo movimiento la forma ABA. 
El tercer movimiento, Andante, es el movimiento lento y relajante de toda la pieza. Este movimiento recapitula y desarrolla el tema en Do que se tocó al final del primer movimiento y mantiene esta misma idea como único tema del movimiento.

Aunque temporalmente este movimiento modula a varias tonalidades, se centra en la tonalidad de Do Mayor. Según lo comentado por el propio compositor, él quiso presentar al final, un "sentido de satisfacción emocional”. Después de toda la turbulencia de los dos movimientos anteriores, esta clave proporciona al final de la obra, una sensación de paz entre el público.
Aspectos de la Ejecucion

El Concierto es un trabajo apasionante, que requiere del solista una negociacion entre la ejecución limpia de pasajes rápidos y demandantes, y frases o líneas melódicas muy largas. A pesar de que los pasajes más rápidos no aparentan ser extremadamente difícil rítmicamente, podrían ser muy desilusionantes en el aspecto técnico. Se ven fácil, pero si el artista se torna algo descuidado, la falta de limpieza a través de las frases puede llegar a ser muy difícil que la audiencia pueda apreciar las ideas melódicas y entonces se perdería el sentido de la orientación en el proceso. Citando a la primera imagen otra vez, en el primer compás que hay una blanca ligada a una corchea seguida por dos semicorcheas y terminando con dos corcheas que muestran un patrón de ritmo muy sencillo. Sin embargo, la mecánica del instrumento se complica cuando se trata de posiciones necesarias para ejecutar las notas. La primera nota, Fa, está en la posición primera, seguida por Mi bemol que está en tercera posición y Do que se podría ejecutar en la posición sexta o primera, utilizando la válvula. Entonces, el pasaje se remonta a Mi bemol, terminando en La bemol, ambas en tercera posición. 
La complicación de la claridad del pasaje viene cuando la vara requiere moverse muy rápido desde el Mi bemol en la tercera a la sexta o Do en primera posición con la válvula. De tercera a la sexta posición, la distancia es muy amplia, por lo que el brazo tiene que moverse muy rápido para llegar a tiempo entre las dos posiciones. Sin embargo, si la nota Do se ejecuta en primera posicón, la distancia es más corta, pero ahora la válvula se convierte en parte de la ecuación en la que el trombónista debe ser capaz de sincronizar la velocidad de la vara con la velocidad de la válvula. Por lo tanto, estos pasajes rápidos se deben ejecutar con un estado mental muy lírico y melódico, con el fin de facilitar la ejecución, y a su vez tratando de no producir líneas frenéticas o agitadas. Las líneas melódicas largas, por otro lado, suelen ser oscuras y misteriosas, aunque al mismo tiempo incluyen una mezcla de bellas y poderosas ideas jazzistas. Estas líneas se deben ejecutar de manera muy expresiva, pero con un sentido de dirección rítmica de modo que el tempo no se pierda en el proceso.

Aunque el largo tema melódico , tal como el tema secundario en el primer movimiento, está escrito en 4/4, es mejor que aparente ser un 2/2, de manera que el movimiento lírico pero dinámico, permanezca en su lugar y la pieza no pierda su energía. Como con muchas otras piezas de trombón melódicos, la atención a una corriente de aire continua en combinación con un uso más ligero de la lengua es el concepto de la idea más adecuada para realizar esta pieza correctamente. Al igual que en el primer movimiento, el segundo movimiento tiene también dos temas principales, uno rápido y lírico. De la misma manera que en el primer movimiento, el tema principal podría tornarse frenético, de modo que el impulso necesita ser pensado en uno, nunca permitiendo al intérprete perder la energía y al mismo tiempo manteniendo en el aire, el sentido de una lenta línea melódica. Aun cuando el tema secundario es un pasaje melódico largo, necesita ser pensado como un ritmo de 6/8 de modo que el movimiento lírico pero dinámico permanezca en su lugar y la pieza no pierda su energía. Una vez más, el uso de una corriente de aire continua y el manejo liviano de la lengua son necesarios para una mejor interpretacion de la síncopa. 
Bibliografía

Trabajos citados: 
• Bobo, Roger. Bobissimo! Lo mejor de Roger Bobo. Crystal Records, 1991. CD 125. 
• Lenti, Vincent. Sirviendo un arte grande y noble: Howard Hanson y la Eastman School of Music. Rochester, NY: Meliora Press, 2009. 1-3 
• Reino Instrumentos Musicales EE.UU.. Conn 88H Trombón Catálogo UMI. Y-C132 5/99. Elkhart, IN. 2010. 1-2. 
• Spillman, Robert. Entrevista en línea privadas. Miami-Boulder, Enero 2011.
Trabajo cedido por:  
José Leonardo León (Instructor asistente en el estudio del Dr. William Standley de la Universidad de Colorado y Artista RATH)

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